Una de planos y secuencias (Uso de lenguaje cinematográfico. Parte 2)

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Hace poco escuche a un critico de cine decir que, “una película es difícil de explicar, ya que es fácil de entender“. Estamos acostumbrados a sentarnos en la oscuridad y ver una película sin sentido crítico; de hecho, la mayoría de las películas se construyen cuidadosamente con la intención de que la manipulación que se realiza de la realidad pase desapercibida por el espectador. Además, dado que una película se construye de componentes visuales, auditivos y lingüísticos que son manipulados de muchas maneras, es un desafío de desmontar, por parte del propio espectador, la totalidad de la “experiencia” de la película e interpretar cómo se montó esa experiencia.

Si el análisis del discurso fílmico es nuevo para ti, en un principio no serás capaz de mantener un registro de todos estos elementos mientras ves una película, esto es una habilidad adquirida. Concéntrese en unas pocas cosas parecen ofrecer una mayor oportunidad para comenzar una lectura crítica, así que comencemos por el principio, por la unidad mínima de expresión en el lenguaje audiovisual, los planos. Aunque pueda resultar obvio para algunos, podemos definir plano con la unidad de imagen que tenemos entre dos cortes de edición y que unidos conforman lo que conocemos como secuencias, unidades dramáticas delimitadas por un mismo espacio y tiempo. En una película cada ve que nos cambian de imagen, nos estarán cambiando de plano, y cada vez que esos planos cambien el escenario o el tiempo donde se desarrolla la acción, nos estarán cambiando de secuencia. A primera vista, ingenuamente, la imagen que muestra un plano parece un mensaje objetivo y sin código. Se puede creer que reproduce mecánicamente la realidad, pero la objetividad es mítica porque la imagen no es neutral, posee connotaciones. Además, hay una implicación de técnica, perspectiva, encuadre que debemos analizar.
La cámara es un sustituto para su público. Variando sus tiros mantendrá su audiencia interesada, dándoles algo nuevo donde mirar o simplemente ver un imagen desde una perspectiva diferente. La forma en que dispongamos los planos de una secuencia, sera la forma en que el público sienta nuestro mensaje. Cómo quieres que el público mire una secuencia? ¿Quieres que se sientan desorientados? ¿Nerviosos? ¿Vas a concentrarte en exponer una situación con imágenes generales o pequeños detalles? Diferentes tomas transmiten diferentes tonos a una secuencia; contestando primero este tipo de preguntas, te ayudará a decidir qué tipos de planos debes usar. La realización de una secuencia es un equilibrio entre mostrar imágenes informativas y emociones íntimas. No se puede tener más de un plano a la vez, a no ser que utilicemos el efecto de pantalla partida, así que deberemos tener especial cuidado de elegir el plano que mejor retrate la realidad que queremos mostrar.

Comenzando en el gran plano general, los actores se hacen muy pequeños comparados a su entorno, pero aquí es donde se sitúan el lugar y sus elementos. En el extremo opuesto esta el primerísimo primer plano que pone las emociones de un personaje al frente de la imagen. Hay menos información contextual en este tipo de plano, pero en esta proximidad a un sujeto, la intensidad emocional puede ser mejor para transmitir el mensaje que queremos hacer llegar al espectador. Vamos a echar un vistazo más de cerca a los diferentes tipos de planos y cómo se pueden establecer el tono de una secuencia:

El plano general suele ser el primer plano que un publico ve, y suele dar paso a nuevas secuencias en una película, estableciendo el contexto y el espacio de una escena . El plano general es a menudo una imagen general de una ciudad o un edificio . Esto no sólo da al público un sentido de ubicación, sino que también establece a qué hora tiene lugar la secuencia. Representa el entorno alrededor de un personaje, mostrando a menudo la escala, la distancia y ubicación.

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Imagen: The Lord of the Rings de New Line Cinema

En la imagen de arriba, Gandalf monta su caballo Sombragrís. El público puede relacionarse con el tamaño de un hombre y un caballo , por lo que cuando ven el castillo en la distancia , saben lo absolutamente masiva de la estructura en realidad es. El castillo se eleva absolutamente por encima de ellos , y el tiro de ancho extremo ha impresionado a la audiencia. Como dato curioso, añadiré que el plano general es el plano mas antiguo de la historia del cine, al ser el primero en utilizarse por los hermanos Lumière en 1895, al proyectarse la salida de los trabajadores de una fabrica. Pero no sera hasta 1910, con una imagen de una paisaje de California en la película “Ramona“, de Griffith, cuando veremos por primera vez lo que conocemos como “gran plano general” o “plano general extremo”.

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Imagen:Mad Max: Fury Road de Village Roadshow Pictures

La única diferencia real entre una plano general extremo y un plano general es que este último expone al personaje principal con una mayor presencia en la pantalla. A diferencia de la imagen de Gandalf en El Señor de los Anillos , el personaje Max Rockatansky tiene una mayor presencia en la imagen.

El plano entero es una toma que abarca desde la parte superior hasta la inferior de un personaje u objeto dejando cierto aire arriba y abajo para que la composición se vea armónica. Pueden ser desde personas, maquinas, animales u otros objetos. El sujeto es el motivo principal de esta toma a cuerpo entero.

El plano americano o plano ¾ enmarca al personaje de la rodilla hacia arriba. Este tipo de plano se conoce con el nombre de ‘americano o western’ debido a que se popularizó en los años 30 gracias a este género cinematográfico. Este plano, les permitía encuadrar las cartucheras y no perderse la acción cuando el protagonista desenfundaban el arma, permitiendo resaltar la expresión del rostro del personaje sin perderse nada de la acción.

La definición de un plano medio varía en todo el mundo . El plano medio estándar enmarca un personaje de la cintura para arriba. Se usa para mostrar una mezcla de expresiones faciales de un personaje y el lenguaje corporal . David W. Griffith hara uso por primera vez del plano medio y la acción paralela con la película For Love of Gold (1908). Pero será con El teléfono (1909) cuando se utilizara de una forma dramática, mediante la prolongación de la situación.

Tanto el plano americano como el plano medio sirven de puente entre el plano general y el primer plano, es el plano de transición por excelencia y posiblemente los tipo de planos mas utilizados en el cine. Pasar de un plano general a un primer plano produce una sensación de salto brusco, es necesario un plano que una los dos tipos de encuadres. El plano americano o medio es capaz de conservar las cualidades del plano general ademas de dotarlo de una carga emocional y fuerza que lograremos con un primer plano. Son planos perfectos para encuadrar a uno o varios personajes en una acción de conversación.

El primer plano enmarca un personaje u objeto. Por lo general los primeros planos se utilizan para retratar las emociones de un personaje, mientras que sólo la elaboración de su cara. También se utilizan a menudo para mostrar la acción específica , como una mano que toma un cuchillo . El tiro de primer plano puede ser el tiro más importante en esta lista. Es la piedra angular de la película, desde que George Albert Smith lo utilizo para mostrar lo que se ve a través de una lupa. De hecho , “La pasión de Juana de Arco” de 1928 fue una película de dos horas, únicamente realizada por primeros planos.

https://vimeo.com/86583190

Un primerísimo primer plano o plano detalle es una vista tan concreta que el público sólo puede ver algunas de las características de un personaje u objeto. Toda la pantalla se llena con una sola característica , como los ojos o la boca de un personaje. En otras ocasiones, resalta algún detalle que de otra manera pasaría desapercibido para el espectador. Sera con el Spaghetti Western, con películas como las de Sergio Leone, donde encontraremos el mayor exponente del uso de este plano. En su película El bueno, el feo y el malo , el público se enfrenta a un intenso cara a cara entre los tres personajes principales. A medida que la tensión aumenta, cada plano sera cada vez más cerrado en todos los personajes de la secuencia, hasta que el público sólo se encuentra mirando a los ojos de cada uno de ellos.

Llegados a este punto y con el conocimiento adquirido, os propongo la siguiente secuencia para tratar de analizarla. ¿Cuantos planos y secuencias podemos encontrar en ella?¿Que tipo de planos de los analizados hemos encontrado?

https://vimeo.com/44870876

En el próximo articulo terminaremos de hablar de los tipos de planos según el punto de vista o la angulación, espero que sigáis atentos.

Eduardo Soler es el profesor de Cine documental de Fotoscool. Si te interesa el cine y la realización de documentales este es tu curso.

Una de planos y secuencias (Uso de lenguaje cinematográfico. Parte 2)

Jeff Wall y el fotógrafo escritor

“En 1970 (…) ya había muerto el convencionalismo de que para ser fotógrafo era necesario acudir a las instituciones que fomentaban la fotografía, particularmente a los medios periodísticos. Jamás se me habrá ocurrido iniciarme en la práctica fotográfica como lo hizo Walker Evans: consiguiendo un trabajo en el sector e intentando entonces dar un golpe de efecto artístico a mi obra dentro de ese ámbito (…).

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Sharecropper's Family, Hale County, Alabama. March 1936
© Walker Evans

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En mi generación las cosas ya no eran así. Había aún fotógrafos que trabajaban de esa manera, como profesionales itinerantes, siempre en la carretera, escribiendo sus particulares Hojas de Hierba, puro periodismo poético. Algunos de ellos fueron muy buenos, como Garry Winogrand, Robert Frank o Lee Friedlander. Pero hubo también muchos trabajos que se hacían ya cansinos.

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Garry Winogrand
© Garry Winogrand

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Robert Frank
© Robert Frank

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Lee Friedlander
© Lee Friedlander

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The Americans, la obra de Frank de principios de los sesenta, me pareció excelente. Después de mucho reflexionar, sin embargo, tuve muy claro que no quería hacer nada que se pareciera a eso. Evans y Frank lo habían bordado. Me parecía innecesario siquiera intentar imitar al fotógrafo escritor.”

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Texto extraído de la publicación “Jeff Wall habla con David Campany, Conversaciones con Fotógrafos, La Fábrica, 2009“.

Salud, ánimo y cariño.

Jeff Wall
© Jeff Wall imitando a Hokusai

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Walker Evans, Robert Frank, Garry Winogrand, Lee Friedlander, Jeff Wall y unos cuantos más en el Curso Medio de Fotografía de La Cámara Roja. La próxima convocatoria arranca el 14 de enero de 2016, ¿te animas?

Cita

Con luz e intención

Con luz e intención es como se escriben las buenas fotografías, aquellas que trascienden el trozo de papel para apuntarnos directamente a los ojos y al corazón.

Con luz e intención es como conseguimos que un retrato nos atrape y cautive con su mirada.

© Irving Penn
© Irving Penn

 

Con luz e intención es como nos seducen las sombras que descifran un paisaje más allá de la luz:

Un camino que nos conduce a otro lugar, un espacio fuera de los confines de lo conocido o al infinito donde habitan los sueños.

 

© Bill Brandt
© Bill Brandt

 

Con luz e intención que no es sino poesía e imaginación,  podemos escribir cualquier historia. Hasta las más amargas. Las que dependen de lo que nosotros mismos estemos dispuestos a arriesgar.

Con luz e intención es como se cuentan las despedidas que caben en una fotografía.

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© Ralph Gibson
© Ralph Gibson

 

Decía Irving Penn que “una buena fotografía es aquella que cuenta algo, toca el corazón y cambia al espectador después de haberla visto“. Y digo yo que todo esto no se consigue al azar, sino con Luz e Intención.

Salud, ánimo y cariño.

El Retrato, el Paisaje, la Luz y la Intención en el Curso Medio de Fotografía de La Cámara Roja.

Con luz e intención

Elliot Erwitt y el rumor de las calles

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Elliot Erwitt (1928) parece que la vida le ha tocado con la mano de la fortuna. Hijo de inmigrantes rusos, pasó su infancia dando tumbos entre Italia y Francia hasta que su familia decidió viajar a Estados Unidos, donde finalmente se quedaron. Con veinti-y-pico años y con motivo de la segunda guerra mundial, empezó su carrera como fotógrafo durante su servicio militar, realizando reportajes en Francia e Italia.

Al poco tiempo, tuvo la suerte de encontrarse con 3 grandes de la fotografía como Edward Steichen, Robert Capa y Roy Stryker, que a la postre se convertirían en cruciales valedores del mismo. Precisamente, fue el propio Capa quien lo invitó a formar parte de Magnum.

15 años más tarde sería nombrado presidente de la misma. Y desde entonces se ha convertido en uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, y aún sigue dale que te pego.

USA. New York City. 1948.
Elliot Erwitt. USA. New York City. 1948.

A veces la biografía tiene la importancia que tiene. Tu vida y tus circunstancias es lo que te hacen especialmente como eres, como decía Ortega. Y parece que al gran Erwitt, la vida le ha sonreído. Vivió la gran depresión. Fue a la guerra y volvió con vida. Conoció a los grandes de la foto que le abrieron las puertas a un mundo que llegó para quedarse. ¿Algo de suerte?, No. Pero si mucho trabajo, y del bueno.

USA. New York City. 1951.
Elliot Erwitt. USA. New York City. 1951.

Erwitt es un trabajador incansable. Alguien que escucha en silencio el rumor de las calles. Al acecho de esa imagen que capture un momento no tan decisivo pero si necesario. El es un fotógrafo que parece que siempre está ahí. En el momento justo. Justo cuando las cosas empiezan a suceder. Busca y recoge lo efímero pero en un lenguaje documental como Cartier Bresson. El hace que sus lugares aparezcan llenos de vida. Con la gente haciendo lo que normalmente hace. Vivir.

USA. New York City. 1953.
Elliot Erwitt. USA. New York City. 1953.

Sus fotos tienen algo de humor. Un humor no forzado sino encontrado. Hallado. Porque la vida te brinda mil ocasiones para sonreír. Y sus fotos ayudan a dibujar una sonrisa en tu cara.

USA. New York City. 2001. A worker sits atop a Botero sculpture on West 57th Street. The sculptures are being hoisted off the truck to be displayed at the Marlborough Gallery .
Elliot Erwitt. USA. New York City. 2001.

Las fotografías de Elliot Erwitt sobre el New York de los años 50 y 60 son de una calidad excepcional. Testimonio amable y ácido a la vez de la capital mundial por excelencia. A la altura del gran William Klein pero algo más entrañables.

Elliot Erwitt. USA. New York City. 1956.
Elliot Erwitt. USA. New York City. 1956.

Elliot Erwitt es uno de los maestros de la Street Photo. Se lo ha ganado a pulso de cámara, porque lleva más de 60 años tomando buenas fotografías. Y nosotros disfrutándolas.

USA. New York City. 1948.
Elliot Erwitt. USA. New York City. 1948.

Salud, ánimo y cariño.

Si quieres saber más sobre fotografía callejera no te pierdas nuestro Taller Street Photo Now! de David Salcedo en La Cámara Roja el fin de semana del 7 y 8 de noviembre en Murcia.

 

Elliot Erwitt y el rumor de las calles

El retrato y tu forma de ser

Puedes quedarte mirándo un buen rato. Escuchando lo que dice. Puedes intentar oler esa hierba. Puede preguntarte porque se han colocado de esa manera. Puedes sentir el fresco de esa mañana o de esa tarde. Puedes pensar que les dirías, de que hablarías para que posaran de esa manera. Y a los niños, ¿que les contarías?.

En algún momento solo se trata de hacer un click. Pero no tan simple. En algún momento se trata de escuchar-sentir-oler-hablar-imaginar-hacer una foto. En algún momento te tienes que plantear como quieres hacer las cosas. Que tiempo le vas a dedicar. En algún momento tienes que decidir cuánta de tu valiosa energía vas a desprenderte para regalársela al mundo. Energía. Si. Puede que estemos hablando de energía.

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Lydia Panas

 

O tal vez sea cuestión de mirar con otros ojos. O de estar ahí. Pero no solo estar, sino sentir que se tiene que estar en ese justo momento en que todo aparece. O puede ser lo contrario. Podría ser que no hay un instante decisivo sino que todo puede ser primordial. Podría ser que cualquier instante es el instante si miramos bien. Podría ser.

 

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Sally Mann

 

A veces es tan complicado como lanzarse de cabeza a por algo. No titubear. Simplemente tirar hacia delante. Hacer. Fabricar. Imaginar. Me gusta pensar que es algo manual y emocional. Que se trata de un juego que se construye a cada paso. Con cada gesto.

Con un poco de atención, puedes darte cuenta de muchas cosas que pasan en un minuto. De hecho, las cosas suceden en ese instante. En el mismo instante que tienes la cámara entre tus manos si estás preparada, si sabes lo que quieres. No se trata de llegar a la cima del mundo. No. Se trata de esperar a que las cosas sucedan delante de ti. O simplemente hacer que sucedan. Que también es complicado y fácil a la vez. Un juego, otra vez.

 

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Vanessa Winship

 

Así es nuestra forma de ver las cosas. Así es nuestra forma de enseñar fotografía. Aprendiendo a mirar. Mirar como práctica para entender el mundo. Para desenmarañarlo. Para descubrirlo. Para aprender a quererlo.

Miramos para descubrir como cada cuál entiende el mundo que le rodea. Fotografiamos para convencernos de que es de una determinada manera. Que está hecho de una materia insondable. De carne y hueso. De emoción y filosofía. Tenemos mucho que aprender de lo que vemos. Tenemos que aprender a sentirlo.

Ultimamente me gusta decir que hay que hacer la fotografía que cada uno es y cada una  siente. No hay más. Simplemente eso.

Basta. Creo que por hoy está bien. Si queréis más, nos vemos en las clases. Así de tajante. A veces hay que ser sincero y directo.

Salud, ánimo y cariño.

Cursos de Fotografía en La Cámara Roja.

 

El retrato y tu forma de ser

Bresson vs Plossu

Fotografiar el instante decisivo o sugerir un estado de ánimo. Hacer una fotografía como si fuera una verdad inmutable o sentir que lo fotografiado ya no volverá a ser lo mismo. 2 grandes fotógrafos y 2 concepciones muy distintas de entender la fotografía. Cartier Bresson es el padre del fotorreportaje y fundador de la Agencia MagnumBernard Plossu es el viajero incansable y poeta de imágenes que nos ha enseñado que las pequeñas cosas importan y, sobre todo, cuentan.

Estos son dos de los muchos autores que veremos en el Curso Medio de Fotografía de La Cámara Roja, porque entendemos que no se puede aprender a fotografiar sin conocer a los grandes fotógrafos y fotógrafas de la historia.

Estudiaremos sus imágenes y aprenderemos los aspectos técnicos y creativos de su trabajo. Todo con el objetivo de que nuestros alumnos, puedan dominar la técnica y entiendan que la fotografía también puede ser un medio creativo de expresión y algo más: ese algo más que nos seduce y atrapa.

Si quieres aprender un poco más allá de la profundidad de campo y saber quiénes son Cartier Bresson o Bernard Plossu, este puede ser tu curso!!!

A partir del 15 de octubre en La Cámara Roja

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Bresson vs Plossu

Más de 6 semanas intensas pero mucho fotojapi!!!

Llevo casi un mes y medio sin poder acercarme al blog. Y os puedo asegurar que estas 6 semanas han sido de las más intensas que he vivido últimamente. Me ha pasado casi de todo, bueno y malo, da igual, lo importante es que lo he vivido casi al límite, apurando todo, realmente como me gusta.

Durante este tiempo, me han pirateado y hackeado la web con tanta insistencia y de la forma más absurda que, al final, han conseguido que aprenda más de programación de wordpress y seguridad y he tenido que formatear toda la web y empezar de cero. Eso sí, ahora estoy trabajando en ella, con total tranquilidad, lo digo por el tiempo, y creo que con un diseño más chulo y sencillo. Por ahora, está en modo beta, pero ya le podéis ir echando un vistazo.

También, en otra de las tareas que desarrollo como Organizador de festivales y miembro de la productora musical Berrintxe Producciones, hemos organizado una nueva edición del Alterna Festival, en la ciudad albaceteña de El Bonillo, el cuál ha sido todo un éxito. Más de 20 bandas del mejor rock alternativo de este país, se dieron cita durante los días 5 y 6 de julio en esta pequeña población manchega, a la que acudieron más de 3000 personas como público. Todo un récord, pero que nos ha llevado más de un mes de trabajo a mil por mil y más de una noche en vela.

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Aparte de organizarlo, Malafolla, el grupo de punk rock del que tengo la suerte de formar parte, cerraba con su actuación la primera noche del festival, a eso de las 6 y pico de la madrugada. Altas horas que no impidieron que tocarámos ante más de 1000 y pico personas, sensación que como os podéis imaginar, son como miles de hormigas recorriendo tu cuerpo de la cabeza a la planta de los pies. IMPRESIONANTE!

Luego, una vez acabado el festival y de que aquello se quedara como un solar, yo salí pitando hacia Belalcazar, ya que me integraba en el taller 3 week bsides + La Fragua, junto a Carlos Albalá, Pilar Barrionuevo, Gerard Boyer, Marcos Isabel, Ignasi López y Juanan Requena, del que han sido 3 semanas inolvidables y que pronto os iremos contando cosas de las que han salido de aquel convento y de las que están por venir.

cartel expo bsides

Y hoy mismo, se le ha caído el primer diente a mi pitufa Lucia, así que el ratoncito perez nos visitará pronto. Da una alegría tremenda ver a tu niña lo mar de contenta!!! Chirrrla ra la!.

Y ya para terminar, os presento un video que hice antes de estas 6 semanas intensas pero que no me había dado tiempo a enseñarlo. Se trata de como es una sesión de fotos con niños en La Cámara Roja.

Siento que hoy solo hable de las cosas que me han pasado. Es publicidad barata.

Fotojapi para todos

Salud, ánimo y cariño.

Más de 6 semanas intensas pero mucho fotojapi!!!